Diana
Arbus, una fotógrafa de los Estados Unidos, nació el 14 de marzo 1923 y murió el 26 de junio 1971. Según Diana Arbus, la cámara tiene el rasgo de ser “un poco frío, un pocoduro” pero a pesar de eso, el escrutinio de la
cámara tenía el poder de revelar la verdad y, además, de forzar a que la gente vea lo que
no quieren ver, los defectos. Por eso, usaba sujetos con ''defectos'' y temas de horror. Sus temas y su uso de la desnudez inspiraron controversia, sin embargo sus obras todavía tienen éxito hoy en día.
Ciudad
de Nueva York, 1962
Arriba , una imagen que inspira mucha atención negativa. Se llama Child with Toy Hand Grenade in Central Park. En la foto hay
un niño con un juguete que es una granada. Hay algo inquietante. Su expresión
es frenética y Diana Arbus añade afecto con la ropa desgastada del niño.
Aunque la foto causa angustia en los que la ven, se
vendió una copia en una subasta para $408.000 en 2005.
Bronx,
Nueva York, 1970
El tema
de inquietud continúa en sus otras obras. Por ejemplo, su foto A Jewish Giant at Home with His Parents in
the Bronx. En la foto, crea el sentido de desequilibro con la
yuxtaposición del hombre gigante con sus padres mucho más bajos. Dice Arbus, “Cada madre tiene pesadillas cuando está embarazada sobre que su bebé puede nacer un
monstruo… pienso que se puede ver esto en la cara de la madre”. La foto
se vendió por $421.000 en 2007.
A pesar
de ser buena fotógrafa, Diana Arbus era una mujer complicada e infeliz. O
quizás estos aspectos de su personalidad son los que daban su fotografía el
impacto que tenía. Su obsesión con lo que es macabro inspira sus fotos y
también terminó con su vida. Se suicidó debido a sus episodios de
depresión cuando tenía 48 años. Sin embargo, todavía sus obras crean mucho
impacto en el mundo de la fotografía.
Stanley
Forman es un fotógrafo estadounidense que, aunque con mucho talento en la
fotografía, ha inspirado mucha controversia debido a los temas de sus
obras. En primer lugar, una breve historia del fotógrafo: Stanley Forman nació el
10 de junio en 1945. Estudió fotografía en el Benjamin Franklin Institute of
Technology en Boston. Después de graduarse, fue un cartógrafo para una campaña
política. Este inicio en la política, contribuye al
impacto de su fotografía. Empezó de trabajar para el periódico Boston Herald.
La fotografía
de Stanley Forman, quizá porque trabajó para un periódico, siempre trata sobre la realidad. Stanley
Forman encuentra aspectos de la realidad, cosas que están ocurriendo en tiempo real y saca sus mejores fotos. De esta manera, son más
poderosas, porque demuestra la vida tal como es, siendo imposible no sentirse conectado a esos eventos.
Un ejemplo a destacar fue la reacción que tuvo la gente a su foto Fire Escape Collapse. El 22 de julio de 1975, una mujer de 19 años y su
ahijada de 2 años estaban atrapadas en un edificio que se estaba quemando. La escalara de
incendios se rompió y las dos cayeron, solo sobreviviendo la joven.
La foto, realizada con una cámara mecánica.
La foto
arriba es la foto que publicó en el Boston Herald, la cual inspiró mucha controversia debido al tema. Hubo una serie de discusiones sobre
la fotografía: ¿Quién tiene derecho a publicar la muerte de las personas? ¿Cuáles son los límites de la fotografía en las noticias? Parte del problema fue que la foto era una vista
íntima de la muerte, demasiado cerca de las víctimas, incluso se pueden ver las
caras. La muerte, siendo algo bastante personal entre la víctima y su familia, se convertía ahora en un acto publico.
Sin embargo,
no todos estaban de acuerdo con los que condenaron la foto. Por ejemplo, algunos bomberos, opinaron que la fotografía representaba la necesidad en ciudades de mejorar los sistemas de seguridad. Stanley Forman ganó su primer premio Pulitzer gracias a esta foto.
La segunda
foto de la que voy a hablar también inspiró controversia, pero de una forma diferente.
En la foto
Soiling Old Glory, por la que ganó su segundo premio Pulitzer, sale un hombre
blanco, Joseph Rakes, en el proceso de atacar un abogado negro activista
por los derechos civiles, con el asta de la bandera de los Estados Unidos.
Sacó la foto
el 5 de Abril 1976 en Boston durante una protesta de la desegregación de
autobuses. Primero se publicó la foto en el Boston Herald y después se propagó a otros periódicos. Esta foto inspira emociones de horror, a la vez que activísmo. Además, es un ejemplo de cómo una foto singular tiene el
poder de cambiar las emociones de un gran grupo de gente. Muestra una profanación
profunda de los valores de una sociedad.
Entonces, gracias el trabajo de Stanley Forman, podemos ver cómo fotos periodísticas también
tienen el poder de conmover e inspirar. El papel de la realidad tiene
un efecto profundo y por eso las fotos de Forman, más que noticias, son también
una manera de arte.
¿Qué puedo decir de ella como fanática entusiasta del arte del maquillaje y la denuncia social?
Esta fotógrafa, directora de cine y artista estadounidense nacida en 1954 se fotografía a sí misma sin autorretratarse, usa su rostro y cuerpo, maquillaje y grandes puestas en escena como una vía para tratar temas modernos tales como el papel social de la mujer, la creación artística o la comunicación.
Al contrario que muchas fotógrafas de su tiempo ella no usaba desnudos en sus inicios, sino que siempre jugaba con ocultar y disfrazar, sin embargo si hizo uso en los ochenta de vulvas y pechos artificiales en sus fotografías a partir de los 80 y 90 cuando adoptó una estética algo más grotescas como también hizo en esta misma época cuando trabaja con la imaginería renacentista
que se apoya en la desfiguración como forma de censurar la autoridad de la
historia del arte, un joven sacerdote, una matrona renacentista con grandes pechos artificiales y labios rojos. Una emulación de Caravaggio en la que Sherman vestida con una toga
sostiene uvas verdes con la mano mientras sobre una mesa hay otro racimo de
uvas rojas...
Sherman tuvo importancia en el movimiento feminista originado y mantenido por las mujeres. en sus comienzos, creó infinidad de
personajes con los que quedar apabullado por la cantidad de rostros y cuerpos
que era capaz de construir usando su propio cuerpo para revelar la naturaleza de la mente femenina cuando no sabe si está interpretando un papel o revelando su verdadero ser, por eso mezcla realidad y artificialidad.
Sin embargo, la propia autora hizo esta declaración que si bien puede ser juzgada como no del todo verdadera, prefiero pensar que es muy interesante que ella simplemente ''improvise'' para fotografiar.
“Siempre me sorprende todas las cosas que la gente lee en mis fotos, pero también me divierte. Quizá se deba a que no tengo una idea específica en la cabeza cuando trabajo. Mis intenciones ni son feministas ni políticas. Trato de dar un doble o múltiples sentidos a mis fotos, lo que puede que de lugar a una mayor variedad de interpretaciones” En sus
trabajos más recientes, aparece en muchas ocasiones la idea de una belleza muerta e la actualidad. Os dejo este artículo de ''La nación'' donde tenéis algunas fotografías: http://www.nacion.com/ocio/artes/Fotos-Cindy-Sherman-Nueva-York_0_1178682205.html
Una entrada al blog de Vanity Fair que habla de la colaboración de la autora para M.A.C cosmetics en 2011: http://blogs.revistavanityfair.es/radar/2011/07/30/cindy-sherman-para-m-a-c/
Así como su colección permanente del MOMA: http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=5392
El estilo de este autor estadounidense y su incuestionable imaginación y capacidad de provocar y desagradar es lo que más me apasiona de él. Sus fotografías son estéticamente muy atractivas, usa el blanco y negro, los claroscuros y composiciones muy estudiadas.
Trata temas como la muerte, el sexo, cadáveres a veces desmembrados y personas enanas, transexuales,
hermafroditas o con malformaciones físicas. Sus imágenes suelen recordar a pasajes bíblicos o pinturas famosas como '' las meninas''.
Según Witkin su particular estilo viene de un episodio que presenció siendo pequeño cuando vio como una niña era decapitada en un accidente de automóvil y de sus problemas familiares.
Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es
altamente intuitivo e incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de
impresión basada en un ambrotipo del siglo XIX.
Su artista favorito y de influencia es
Giotto (un pintor, escultor y arquitecto del siglo XIII que contribuyó a con su arte al nacimiento del movimiento renacentista italiano al romper con las normas de creación del medievo. Se centraba en temas religiosos desde un punto de vista carnal).
Dado que para conocerle mejor creo que lo esencial es ver su obra, os dejo unos enlaces de lugares donde podéis encontrar su trabajo:
No quiero dejar de recomendaros este autor, incluso a los más impresionables, su visión de lo macabro, lo morboso y los temas más tabú y tristemente irrisorios en la sociedad actual (como puede ser una anomalía física) son cuanto menos loables.
Personalmente le encuentro fascinante, me produce sensaciones desconcertantes entre el desagrado y la admiración; las náuseas y las ganas de empapelar mi cuarto con sus fotografías.
Robert Capa
(Budapest, Hungría, 22 de octubre de 1913 -Thai Binh Vietnam, 25 de mayo de
1954), seudónimo de Endre Ernö fue un famoso corresponsal gráfico de guerra
húngaro del siglo XX.
Robert Capa nació
en la ciudad de Budapest en el seno de una familia judía que gozaba de una
buena posición económica.
En su
juventud ya tomaba fotografías con su cámara Kodak Brownie que se compró con su
primer sueldo.
A los 18
años abandona Hungría y viaja a París, donde conoce al fotógrafo David Seymour
quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para
cubrir las movilizaciones del Frente Popular.
Sus primeros
trabajos como reportero datan de 1932, cuando publicó una foto instantánea del
líder revolucionario León Trotsky pronunciando un discurso frente a los
estudiantes de la Universidad de Copenhagen.
Al estallar
la Guerra Civil Española en julio de 1936, Capa se traslada a España para
cubrir los principales acontecimientos de la contienda española.
Durante la
II Guerra Mundial, está presente en los principales escenarios bélicos de
Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África.
En 1947
creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David
Seymour, la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo
fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo
artístico, en el que tenía grandes amistades, entre las que se incluían el
realizador John Huston, el actor Gene Kelly, Pablo Picasso, Ernest Hemingway y
John Steinbeck. Agencia que presidió hasta su muerte en 1954 al pisar una mina antipersona mientras realizaba un documental de las tropas francesas en Indochina a los 40 años.
Robert Capa
se especializó desde un primer momento en la fotografía de guerra, retratando
los principales conflictos bélicos del siglo XX. Su fotografía se caracteriza
por su atrevimiento y su gusto por el riesgo. Para él tenía mucha más
importancia el drama del momento, capturar el instante que los aspectos
técnicos o la calidad de la imagen.
Su primera
foto-reportaje lo realizó en la guerra civil donde consiguió tomar posiblemente
su fotografía más conocida: Muerte de un soldado republicano (1936), posiblemente
la mejor foto de guerra conocida. Esta imagen no está exenta de polémica por lo
que podía tener de montaje. Pasado el tiempo, hoy casi nadie duda de la
autenticidad de la misma.
El
republicano muerto tiene nombre e identidad: Federico Borrell García. La
fotografía fue tomada el día 5 de septiembre de 1936, en una colina próxima a
la población de Cerro Muriano a 12 kilómetros de la capital cordobesa. A partir de este hito, trabajó asiduamente para
diferentes revistas ilustradas como la francesa “Vu”, en sus comienzos, o más
adelante en la norteamericana “Life”. Para esta misma publicación, aunque unos
años más tarde, realizó trabajos elacionados con diferentes conflictos, por
ejemplo, sobre las invasiones de los japoneses en 1938, las luchas de las guerrillas
en Palestina y Camboya, etc.
En diciembre
de 1938 la prestigiosa revista británica “Picture Post” publicó un reportaje
fotográfico de once páginas sobre la Guerra Civil española con las fotos de un
joven de veinticinco años, Robert Capa, y le proclamó como "el mejor
fotógrafo de guerra del mundo". Más de cuarenta años después de su muerte,
nadie ha superado la fuerza extraordinaria y conmovedora de sus reportajes
sobre cinco conflictos bélicos.
Fue
galardonado con la Cruz de Guerra y la Palma por el ejército francés. El Premio
Medalla de Oro Robert Capa fue establecido en 1955 en reconocimiento a su
mérito profesional excepcional.
En 1947 recibió la medalla a la libertad por parte del ejército americano.
Dentro de la
carrera profesional de Robert Capa también hay algunas incursiones dentro del
cine. Así, en 1938, Capa trabajó como segundo cámara con Joris Ivens en The
Four Hundred Million. En 1946 dirigió The March of Time, y en 1948 realizó ocho
películas en París Fashion para World Video. Por último, también en 1948, rodó
The Journey en Israel.
Escribió su
primer libro, Slightly Out of Focus en 1947 y después viajó a Rusia para
trabajar junto a John Steinbeck. Desde 1948 y hasta 1950, Robert Capa vivió en
Israel y en 1949 filmó sus primeras secuencias para Holiday magazine
Después de su muerte se han publicado multitud de libros con su obra fotográfica y sobre la vida del famoso fotógrafo. Entre los más recientes está "Robert Capa. Las huellas de una leyenda".
La obra de Capa ha sido expuesta en prácticamente todo el mundo; se ha expuesto en el International Center of Photography de Nueva York, en Londres, Viena, París, etc. Hace muy poco se expuso parte de su obra en el Círculo de Bellas Artes de Madrid dentro de la exposición "La maleta Mexicana" y ahora mismo se puede contemplar su fotografía en la exposición "Magnum´s First" en La Fundación Canal.
El espíritu aventurero y un tanto temerario de Capa se puede comprobar en una de sus famosas frases:”Si tus
fotografías no son lo suficientemente buenas es por que no estás lo
suficientemente cerca.”
Se han realizado muchos documentales que hablan sobre Robert Capa. Hay dos relativamente recientes uno titulado "Los exiliados d Robert Capa" y otro llamado "La sombra del iceberg".
Annie Leibovitz (Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) es una
fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería
Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John
Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.
Ingresó en el Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte.
Su interés por la fotografía surgió en la base aérea Clark,
ubicada en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la Guerra de Vietnam.
De vuelta a
Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el
Instituto de Arte de San Francisco. En 1993 recibió un doctorado honorario por
parte del Instituto de Arte de San Francisco.
En 1970
empieza a trabajar para la revista Rolling Stone y se encarga de fotografiar la
gira de Los Rolling Stone. Allí obtendrá la fama con la fotografía que tomó de John
Lennon abrazado a su mujer.
Poco después
trabajó con Bruce Sprinsgteen haciendo varias de sus portadas más conocidas.
Desde 1983,
Leibovitz ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity
Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello.
En 1993
comenzó a trabajar para la revista de modas Vogue.
Desde el año
1995, Leibovitz tiene la misión de retratar a los actores y actrices que aparecen
en The Hollywood issue, una edición que Vanity Fair publica en marzo de cada
año con retratos de los actores más destacados de Hollywood.
En 2007
Disney la contrató para que retratara a diferentes celebridades interpretando a
los personajes de cuento.
En el 2009,
la Royal Photographic Society la galardonó con la Medalla Centenario, que
reconoce su significativa contribución al arte de la fotografía.
En mayo de
2013 obtuvo el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades.
A día de hoy
nadie se niega a posar ante su cámara. Su estilo es muy personal y por su foco
han pasado innumerables estrellas: Brad Pitt, Angelina Yolie, Obama, Nicole
Kidman, Clinton, Demi Moore, Woody Allen, Leonardo Di Caprio, etc.
Tomó la
primera foto oficial de la familia Obama.
Su trabajo
se caracteriza por una cuidada y sofisticada puesta en escena, así como por una
estudiada iluminación que dota a sus fotos de una ambientación característica.
Annie suele
quedar días antes de la sesión
fotográfica con los retratados para conocer más de cerca a la persona y
conseguir posados más auténticos.Como el fotógrafo de retrato Arnold Newman, Leibovitz ha
buscado en su trabajo la forma de acentuar algún aspecto del personaje público
de cada sujeto. Usando todo el cuerpo del sujeto, normalmente capturado en
medio de una actividad física.
En octubre
de 2006, se exhibió el documental Annie Leibovitz: una vida a través de la
cámara, el cual fue dirigido por la hermana menor de Annie, Barbara. En él se
mostraban escenas íntimas de la vida de la fotógrafa, además de entrevistas a
diversas celebridades que posaron para ella.
Su obra ha
sido publicada en varios libros: La cámara como escudo y La maternidad en el
arte: visiones renovadas tras el Post-partum document, Women (1999), en
colaboración con Susan Sontag -Premio Príncipe de Asturias de las Letras 2003.
Además ha
trabajado como reportera hasta el final de la Guerra del Líbano, aspecto este
que tuvieron muy en cuenta a la hora de otorgarle el Príncipe de Asturias en
2013.
Las
fotografías de Leibovitz han protagonizado exposiciones en museos y galerías de
todo el mundo, incluyendo la National Portrait Gallery del Instituto
Smithsonian de Washington, donde fue la primera mujer y el segundo fotógrafo
vivo en exponer en ella; el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York,
el Stedelijk Museum de Ámsterdam, la Maison Européenne de la Photographie de
París, la National Portrait Gallery de Londres, el Hermitage de San Petersburgo
y el Museo Pushkin de Moscú.
Una de sus
fotos más polémicas fue la que realizó a Demi Moore embarazada y desnuda, pero
que después han seguido otras muchas. También la serie de fotos que tomó de la
familia real inglesa o la fotografía tomada a Meryl Streep.
En una
entrevista en España este año dijo estas palabras:
“Con una
cámara podemos retener los momentos fugaces de nuestras vidas. Una fotografía
posibilita que recordemos, por ejemplo, esa estampa increíble que nos fascina
cuando la vemos y que luego desparece de nuestra visión. O ese memorable
evento; ese lugar que visitamos una vez; nuestros hijos que crecen y cambian
tan rápidamente. Las personas que amamos y de quienes aprendemos. Los momentos
felices, tristes y profundos que animan y enriquecen nuestros días. La
fotografía siempre ha tenido ese increíble poder para detener y retener el
presente, antes de que desaparezca en el pasado”, Annie Leibovitz.
